Una de trailers

En los últimos días han aparecido los trailers (en inglés) de tres de los estrenos más esperados del año 2010: Robin Hood, dirigida por Ridley Scott, con Russell Crowe y Cate Blanchett, Alice in Wonderland, lo nuevo de Tim Burton, y Clash of the Titans, el remake de Furia de Titanes, con Sam Worthington, Liam Neeson y Ralph Fiennes. Aquí os los dejo, para que opinéis.

Robin Hood

Alice in Wonderland

Clash of the Titans

Homenaje a José Luis López Vázquez y Paul Naschy

Con apenas un mes de diferencia el cine español ha perdido a dos de sus grandes interpretes, José Luís López Vázquez y Paul Naschy. Aunque sus carreras fueron muy diferentes, ambos actores han dejado una huella profunda en el cine español con su talento.

López Vázquez fallecía en Madrid el pasado 2 de noviembre a los 87 años, después de una larga enfermedad. Con más de 200 películas a sus espaldas, algunas memorables como Mi querida señorita o El Verdugo, representó como nadie al español medio. Hizo también teatro y televisión, donde realizó uno de sus más renombrados papeles, en La Cabina de Antonio Mercero.

En cine, trabajó con lo mejor de la cinematografía nacional. Trabajó con Berlanga(Plácido, El verdugo, Los jueves, milagro o la trilogía nacional), con Carlos Saura (La prima Angélica, Pippermint Frappé), con José María Forqué (Atraco a las tres), con Jaime de Armiñán (Mi querida señorita), Marco Ferrari (El Pisito), con Mercero (La Cabina, ¿Y tú quien eres?), etc. Incluso trabajó con George Cukor en Viajes con mi tía, en 1972. De hecho Hollywood trató de llevárselo en varias ocasiones aunque el siempre se mantuvo fiel al cine español.

Fue, sin duda, uno de los más grandes y prolíficos actores españoles de cine y del teatro del siglo XX, y uno de los más versátiles, capaz de compatibilizar como nadie la comedia y el drama. Sin embargo, nunca ganó el Goya (aunque recibió uno honorífico en 2004), un ejemplo más de la injusticia de estos premios.

Por su parte, Jacinto Molina, más conocido como Paul Naschy, fallecía el 30 de noviembre, a los 75 años y víctima de un cáncer. Naschy fue conocido, sobre todo, por sus interpretaciones en películas de terror de los años 60 y 70, como La marca del hombre lobo o La noche de Valpurgis.

Naschy, apodado el Boris Karloff español, fue actor, guionista y director de cine de terror con un centenar de películas rodadas a lo largo de su carrera. Debutó en el cine en 1967 después de haber sido siete veces Campeón de España de Halterofilia, como protagonista en la película La marca del hombre lobo, de Enrique López Eguiluz.

Paul Naschy, que fue Presidente del Círculo de Escritores Cinematográfico y recibió en 2001 la Medalla de Oro al Mérito en Bellas Artes, también realizó comedias, cintas policíacas, de acción y aventuras. Vivió en Japón durante seis años, donde rodó documentales sobre la cultura española.

Sin duda, Naschy marcó una época en el cine español y fue un ejemplo a seguir para los jóvenes directores españoles de cine de terror y fantástico.

Hollywood sigue matando nuestra infancia

Si no había bastante con convertir La Bola del Drac en una película infumable, ahora El Equipo A salta al cine. Ya tenemos la primera imagen con los protagonistas.

Sin comentarios.

Y dentro de poco, el remake de V se estrena en la ABC. Aquí os dejo el trailer en inglés:

Marge Simpson, chica Playboy

Para celebrar el 20 aniversario de Los Simpsons, Marge se desnuda para Playboy. Esta es la portada de noviembre:

¿Qué pensará Homer?

George Cukor

Últimamente, y de forma totalmente casual, he visto varias películas de George Cukor (Vivir para gozar, Mujeres y Una rubia fenómeno). Estas tres películas, igual que otras de este director como Historias de Filadelfia, Mujercitas o Nacida Ayer, por nombrar tres ejemplos, reafirman, una vez más la definicón de Cukor como "un director de mujeres". Sin duda, y quizá por su homosexualidad, Cukor entendió perfectametne a las mujeres y supo sacar de sus actrices interpretaciones magníficas.

Cukor (1899-1983) fue uno de los directores más prolíficos del Hollywood de los años dorados. En 50 años de carrera, entre 1930 y 1981, realizó más de 60 películas, por las que ganó numerosos premios, entre ellos el Oscar al mejor director en 1965 por My Fair Lady. Trabajó también en el teatro, por el que sentía verdadera pasión, y en la televisión, ganando también un Emmy en 1975.

Hijo de unos inmigrantes húngaros judíos, comenzó a interesarse por el teatro mientras estudiaba en el instituto. Tras graduarse, encontró trabajo como técnico en una compañía de teatro de Chicago. En 1920, concluida su etapa de formación, Cukor se atrevió a crear su propia compañía teatral en Rochester (Nueva York). La compañía funcionó bien durante siete años y le permitió dar el salto a Broadway. En 1927, con veintiocho años, Cukor empezó a trabajar en Broadway, lo que le permitió entrar en contacto con grandes actrices del momento como Ethel Barrymore o Jeanne Eagles.

En los inicios del cine sonoro, Hollywood empezó a contratar a profesionales de Broadway. Cukor fue uno de ellos, y, en 1929, comenzó a trabajar para Hollywood, como director de diálogos en la película River of Romance de Richard Wallace para Paramount Pictures. Repitió como director de diálogos en Sin novedad en el frente de Lewis Milestone.

Tras estos primeros trabajos, empezó la que sería su carrera como director. En 1930, trabajó como codirector en tres títulos, antes de empezar a dirigir en solitario. Estas películas fueron: Grumpy (junto con Cyril Gardner), The Virtuous Sin (junto con Louis J. Gasnier), The Royal Family of Broadway (junto con Cyril Gardner).

En 1932, tras el rodaje de Una hora contigo que había codirigido junto a Ernst Lubitsch, Cukor abandonó la Paramount Pictures. Entonces fue contratado por David O. Selznick y empezó a trabajar para la RKO. Cukor vivió entonces su mejor época, convirtiendose en toda una celebridad. Sus películas para la RKO obtuvieron un gran éxito tanto de público como de crítica.

En 1936 Cukor fue elegido por Selznick para dirigir Lo que el viento se llevó, antes incluso de la publicación del libro. Pasó los siguiente dos años realizando las labores de preproducción, lo que incluyó la realización de numerosas pruebas para elegir a la actriz que interpretara a Escarlata O'Hara. Cukor quería a Katherine Hepburn (una de sus actrices preferidas, con la que trabajó en numerosas ocasiones), pero Selznick, preocupado por la reputación que tenía la actriz de "veneno para la taquilla" la rechazó. Selznick también rechazó a la otra elegida de Cukor, Paulette Goddard, por su supuestametne ilicita relación con Charles Chaplin (en realidad, estaban casados en secreto).
Cukor dedicó muchas horas a trabajar con Vivien Leigh y Olivia de Havilland antrers de comenzar el rodaje de la película. Sin embargo, diversos problemas con el guión hicieron que Cukor abandonará la producción. Siempre se ha dicho que fueron los problemas de Clark Gable con la homosexualidad de Cukor los que forzaron su marcha del realizador pero la realidad es que Gable y Cukor ya habían trabajado juntos antes sin ningún problema. Además, los papeles privados de Selznick no mencionan nada de esto y dan a entender que fueron los problemas del Selznick con Cukor (al que define como "un lujo muy caro") los que forzaron el cambio de director. No obstante, Cukor continuó ayudando en la producción, ya que fue contratado para ensayar con Leigh y Havilland.

El abandono del rodaje de Lo que el viento se llevó, liberó a Cukor para dirigir dos de sus grandes películas, Mujeres (1939), famosa por su reparto exclusivametne femenino, e Historias de Filadelfia (1940), protagonizada por Katharine Hepburn. Además, dirigió a otra de sus actrices favoritas Greta Garbo, en Otra vez mío (1941), su última película.

Cukor contaba con gran cantidad de amigos entre los actores, directores y técnicos, y solía celebrar en su casa grandes fiestas. Entre los asistentes habituales a sus famosas fiestas estaban Katharine Hepburn y Spencer Tracy, Joan Crawford y Douglas Fairbanks, Jr. , Lauren Bacall y Humphrey Bogart, Claudette Colbert, Marlene Dietrich, Laurence Olivier y Vivien Leigh, Richard Cromwell, Judy Garland, Gene Tierney, Noël Coward, Cole Porter, James Whale, la diseñadora de vestuario Edith Head, y Norma Shearer, especialmente tras la muerte de su primer marido, Irving Thalberg. Escritores como Sinclair Lewis, Theodore Dreiser, Aldous Huxley, Ferenc Molnár, y asu intimo amigo Somerset Maugham también acudían. De hecho, Cukor era amigo de sus amigos y fue fiel a los técnicos que intervenían en sus películas. Responsables de sonido, decoradores, directores artísticos, incluso maquilladores o responsables de vestuario solían repetir con Cukor. Por ejemplo, realizó siete películas con la pareja de guinistas Garson Kanin y Ruth Gordon, entre ellas La Costilla de Adán o Nacida Ayer.

En 1950 Cukor estrena Ha nacido una estrella. A partir de este momento, compaginara sus peculiares comedias románticas con melodramas de éxito. En la década de los 60, Cukor empezó a no ser tan regular, no por que decreciera su prestigio, sino porque la progresiva desaparición del sistema de estudios hizo que muchas veces no encontrará proyectos que le interesase dirigir. Por esa fecha My fair Lady (1964) supondría la última gran producción en la que intervendría, por la que ganó por fin, tras cuatro nominaciones fallidas, el Oscar. Después volvería puntualmente para afrontar determinados proyectos, pero ya no con regularidad. En 1981, dirigió su última película Ricas y famosas. Cukor murió a los 83 años, en 1983.

Aunque fueron muchas las actrices que trabajaron para Cukor, su musa fue, sin duda Katharine Hepburn, a la que dirigió en 10 ocasiones (8 películas y dos telefilms). En los cincuenta, fue otra gran actriz, Judy Holliday, la que proporcionaría a Cukor grandes interpretaciones que convirtieron sus películas en clásicos, como Nacida ayer.En total, cinco películas juntos.

La filmografía de Cukor es amplísima para incluirla toda en este post, así que he hecho una selección con algunas de sus películas más destacadas. Son las siguinetes:

• 1932 - Doble sacrificio (A Bill of Divorcement). Primera película en la que intervino Katharine Hepburn.
• 1933 - Las cuatro hermanitas (Little Women).
• 1936 -La gran aventura de Silvia (Sylvia Scarlett).
• 1938 - Vivir para gozar (Holiday).
• 1939 - Mujeres (The Women).
• 1940 - Historias de Filadelfia (The Philadelphia Story).
• 1941 - Un rostro de mujer (A Woman's Face).
• 1941 - Otra vez mío (Two-Faced Woman ), último trabajo de Greta Garbo.
• 1944 - Luz que agoniza (Gaslight).
• 1944 - Cita en los cielos (Winged Victory).
• 1947 - Doble vida (A Double Life).
• 1949 - La costilla de Adán (Adam's Rib).
• 1949 - Edward, mi hijo (Edward, My Son).
• 1950 - Nacida ayer (Born Yesterday.).
• 1950 - A Life of Her Own.
• 1952 - Chica para matrimonio (The Marrying Kind).
• 1952 - La impetuosa (Pat and Mike).
• 1953 - La actriz (The Actress).
• 1954 - Ha nacido una estrella (A Star Is Born).
• 1954 - La rubia fenómeno (It should happen to you). Debut cinematográfico de Jack Lemmon.
• 1956 - El loco del pelo rojo (Lust for Life).
• 1957 - Las girls (Les Girls).
• 1960 - El multimillonario (Let’s Make Love).
• 1962 - Something's Got to Give, último papel de Marilyn Monroe. La película quedó inacabada, finalmente, en 2001 se montaron 34 minutos convirtiéndola en un cortometraje homenaje a la desaparecida actriz.
• 1964 - My Fair Lady (Mi bella dama).
• 1972 - Viajes con mi tía (Travels with My Aunt).
• 1981 - Ricas y famosas (Rich and Famous).

Si tuviera que elegir entre sus películas mi favorita, sería un empate entre Vivir para gozar (1938) e Historias de Filadelfia (1940), protagonizadas ambas por Katherine Hepburn y Cary Grant, dos comedias románticas deliciosas. También adoro Mujeres (1939), Nacida Ayer (1950), Una rubia fenómeno (1954), Las Girls (1957) y La Costilla de Adán (1949), todas ellas divertidisimas.

En fin, Cukor fue uno de los grandes de Hollywood, autor de comedias deliciosas, de las que ya no se hacen, pero también de grandes dramas. Un director capaz de sacar lo mejor de sus actores, de ellas, pero también de ellos.

La despedida de Patrick Swayze

Hoy ha fallecido a los 57 años y después de casi dos años luchando contra el cáncer, el actor Patrick Swayze. La noticia no ha sorprendido, ya que sufría uno de los tipos de cáncer más duros, el de páncreas, pero no por eso ha sido menos triste. Swayze ha demostrado ser todo un luchador y se enfrentó a la enfermedad con gran entereza, superando incluso la esperanza de vida que le daban los médicos.

Swayze fue el ídolo de toda una generación, todo un icono en los años 80 y 90 gracias a su atractivo y, sobre todo, a dos películas: Ghost y Dirty Dancing, que lo encumbraron a lo más alto. Sin embargo, su carrera no fue todo lo que pudo haber sido. La crítica nunca lo trató demasiado bien, aunque cuenta en su haber con algunas buenas interpretaciones, destacando sus papeles en Donnie Darko y, sobre todo, A Wong Foo: gracias por todo, Julie Newmar, en la que interpreta a una drag queen. Otras de las películas destacadas de su trayectoria son Le llaman Bodhi y La ciudad de la alegría.

Su último papel fue en la serie The Beast (que emite en España Canal +), cuando ya se le había detectado la enfermedad que ha acabado con su vida. De hecho, la serie fue suspendida debido a los problemas de salud del actor.

Pero para mí Patrick Swayze siempre será Darrell "Darry" Curtis, el hermano mayor de Ponyboy, en la versión que hizo Coppola de la novela de Susan E. Hinton, Rebeldes, uno de mis libros favoritos cuando era una niña. Ya hablé en este mismo blog sobre esa película, una de mis favoritas, que pienso ver como mi pequeño homenaje a Swayze.

Descanse en paz.

Robert Capa: "Si tus fotos no son lo bastante buenas, es que no estás lo bastante cerca"

Este verano he leído un libro muy interesante, Ligeramente desenfocado (Slightly Out of Focus), una autobiografía novelada de Robert Capa en la que él mismo nos cuenta sus andanzas durante la Segunda Guerra Mundial. Como he dicho, lo que cuenta Capa en este libro (que estaba destinado a convertirse en una película) está novelado, ha cambiado algunos nombres y adornado algunos pasajes, pero en esencia son sus experiencias durante el conflicto. Se trata de una lectura muy recomendable, un libro lleno de humor, donde se combinan las experiencias bélicas con una historia de amor.

Robert Capa es un personaje fascinante. Nacido en Budapest en 1913, su verdadero nombre era Endre Ernő Friedmann. A los 17 años Endre se marcha a Alemania, huyendo del enrarecido ambiente político de su país. Es en Berlín donde aprende los rudimentos del arte fotográfico, aunque su verdadero sueño era ser periodista. De origen judío, abandona Berlín cuando Hitler accede al poder y se instala en París donde conocerá a Gerda Taro, cuyo nombre real era Gerta Pohorylle, hija de judíos polacos.

Gerda, que murió aplastada por un tanque en 1937, durante la retirada del ejército republicano en la batalla de Brunete en la Guerra Civil española, será el gran amor de Friedmann y juntos crearon, en 1935, a Robert Capa. Como las fotos de ambos (Gerda fue una gran fotógrafa y hay muchas fotos atribuidas a Capa de la Guerra en España que en realidad hizo ella) se vendían muy mal en aquellos tiempos de crisis, decidieron asumir un seudónimo y crearon a Robert Capa. No solo asumieron un nuevo nombre (inspirado en Robert Taylor y Frank Capra) sino todo un personaje: un fotógrafo americano, rico, chic, de éxito. Nacía así el mito.

En 1936 Capa y Taro viajan a España para cubrir el conflicto que acaba de estallar y de este conflicto salen algunas de las más conocidas fotos de Capa, como la de Muerte de un miliciano. Hace unos años apareció en México una maleta con fotos y negativos de fotos realizadas en esa época por Capa, Taro y David Seymour, que se creían perdidas.

Tras la muerte de Taro, Capa siguió cubriendo conflictos bélicos: la invasión de China por el ejército japonés en 1938, la Segunda Guerra Mundial (1941-45), la primera guerra árabe-israelí (1948) o la guerra de Indochina (1954).

Sus fotos más famosas son las que realizó durante la Segunda Guerra Mundial, es especial las del Desembarco en Normandía. Capa desembarcó en Omaha Beach con la segunda oleada del ejército americano y tomó 106 fotos durante las primeras horas del desembarco. Sin embargo, el técnico encargado de revelarlas cometió un error y sólo 8 de esas fotos pudieron ser recuperadas.

En 1947 creó, junto con los fotógrafos Henri Cartier-Bresson, William Vandivert, David Seymour, y George Rodger, la agencia Magnum Photos, donde Capa realizó un gran trabajo fotográfico. También en 1947 Capa viajó por la URSS con el escritor John Steinbeck. Tomó fotos en Moscú, Kiev, Tbilisi, Batumi y en las ruinas de Estalingrado. En 1948 publicaron un libro con texto de Steinbeck y fotos de Capa.

Pero no sólo de guerra vivió Capa. Durante un tiempo vivió en Hollywood, donde fue amante de Ingrid Bergman, e hizo fotos de personajes como Picasso o la propia Bergman. Su relación se rompió ya que Ingrid Bergman quería casarse pero Capa no quería quedarse en Los Ángeles.

En 1954, Capa estaba en Japón visitando a unos amigos de antes de la guerra, cuando fue llamado por la revista Life para reemplazar a otro fotógrafo en Vietnam, durante la Primera Guerra de Indochina. En la madrugada del 25 de mayo, mientras acompañaba a una expedición del ejército francés por una espesa zona boscosa, pisó inadvertidamente una mina y murió, siendo el primer corresponsal americano muerto en esta guerra y terminando así una azarosa vida profesional, guiada por una frase que popularizó: Si tus fotos no son lo suficientemente buenas es que no te has acercado lo suficiente.

Capa es un personaje fascinante, un fotógrafo magnífico, con una vida y una obra (que posiblemente sean la misma cosa) apasionantes. Steinbeck dijo que Capa no sólo fotografiaba el movimiento sino también "la felicidad, el desengaño y hasta el pensamiento". Sólo hay que ver las fotos que acompañan a este texto o cualquier otra de las suyas para ver cuan cierta es esta cita.